Transformaciones y nuevas prácticas del dibujo contemporáneo

El dibujo contemporáneo viene ampliando sus límites tradicionales para convertirse en un espacio de investigación que atraviesa disciplinas, tecnologías y formas de conocimiento. Opera como herramienta cognitiva, método de exploración científica, dispositivo de visualización y campo de experimentación tecnológica. Este número monográfico reúne veintiún artículos agrupados en cinco aproximaciones temáticas que exploran las relaciones entre dibujo e interdisciplinariedad, ciencia, datos, inteligencia artificial y cognición, ofreciendo una visión plural de los debates que configuran la investigación actual desde, a través y en torno al dibujo.

Los artículos ofrecen una visión de las transformaciones que experimenta el dibujo en contextos cada vez más interdisciplinares, evidenciando su capacidad para generar nuevas formas de observar, comprender e interpretar la realidad contemporánea. Nos preguntamos cómo el dibujo actúa simultáneamente como medio de representación, herramienta de pensamiento y práctica de producción de conocimiento, para reunir distintos enfoques teóricos, estudios de caso y experiencias de investigación artística y científica.

En el contexto del dibujo contemporáneo, desde la interdisciplinariedad, con la intromisión o implicación de la ciencia, hasta la ilustración científica, es un hecho constatado el papel significativo que adquiere el dibujo, lo que subraya su latencia como medio de exploración, representación y comunicación visual del conocimiento. Ambas áreas, tradicionalmente asociadas a la divulgación científica y educativa, se han integrado cada vez más en la investigación artística, abriendo nuevas posibilidades para el análisis visual, la experimentación gráfica y la generación de conocimiento interdisciplinar. En el ámbito de la investigación interdisciplinar, el dibujo se convierte en una herramienta metodológica que permite registrar procesos, visualizar ideas y representar relaciones tanto abstractas como materiales. Más allá de su función representativa, el dibujo promueve una forma de pensamiento visual que integra análisis, síntesis y creatividad; deja de ser únicamente un medio expresivo para convertirse en un dispositivo de pensamiento, de observación detallada y de producción de conocimiento visual. Así, en este ámbito, el monográfico comienza con el texto de José Luis Ortega Lisbona y Olga Martí Prades, que analiza, identifica y percibe dinámicas invisibles: las tensiones generadas entre la experiencia performativa y la abstracción algorítmica, a través de dos investigaciones basadas en prácticas situadas en el Cabanyal y de otra centrada en Times Square. En el mismo marco, José Ignacio Lorente nos propone el dibujo como práctica performativa, introduciendo cuestiones relevantes acerca de lo visible como umbral en el que se articula la estética y la política. Conduce la investigación artística e interdisciplinar del dibujo en el entorno de la danza, cuestionando el movimiento y la intervención performativa en espacios socioculturales y urbanos. En el artículo de Miriam González Álvarez se articulan tres acciones inspiradas en Hundertwasser que abordan las denominadas tres pieles, la sociocultural, la identitaria y la colectiva. Para ello se desarrollan experiencias artístico-educativas con alumnado de 3º de la ESO, orientadas a la construcción de narrativas identitarias desde la corporeidad compartida. Los resultados evidencian el potencial del dibujo para activar procesos críticos, corporales y relacionales en contextos educativos.

Inmerso en los parámetros de la observación científica, el texto de Arianne Garrido Quilis aborda el potencial visual y conceptual de los patrones de interferencia generados por la luz polarizada en materiales plásticos birrefringentes sometidos a tensión, obteniendo registros gráficos que condensan dinámicas invisibles del esfuerzo, percibidas mediante la experimentación con la luz, en los que el dibujo se materializa como registro de dicha experimentación. Por su parte, Albert Viñas Alcoz analiza los gráficos o diagramas preparatorios creados por cineastas y artistas visuales como Toshio Matsumoto, Malcolm Le Grice y Madison Brookshire, como un potencial para otra forma de hacer guiones o proyectos fílmicos, en la que el dibujo sobre papel alcanza su cenit como propuesta formalista que se adscribe al cine estructural, minimalista o sistemático.

La ilustración científica, caracterizada por su precisión, objetividad y rigurosidad técnica, se ha utilizado históricamente para representar elementos del mundo natural y científico —como organismos, estructuras anatómicas, procesos biológicos o fenómenos geológicos— con un alto grado de fidelidad. Sin embargo, en el dibujo contemporáneo, esta práctica ha trascendido sus límites tradicionales para convertirse en un medio de reflexión sobre la percepción, la representación y la relación entre el arte y la ciencia. Artistas e investigadores visuales emplean la ilustración científica como una estrategia crítica que cuestiona la manera en que observamos y entendemos el entorno. La capacidad del dibujo para organizar y jerarquizar la información ha sido aprovechada por personas artistas-investigadoras que buscan explorar estructuras narrativas no lineales, estableciendo conexiones entre conceptos visuales y construyendo lenguajes gráficos que desafían los límites entre lo científico, lo artístico y lo comunicativo. Numerosos proyectos contemporáneos demuestran esta convergencia. Por ejemplo, propuestas artísticas que documentan la biodiversidad desde una mirada estética y científica, o investigaciones gráficas que traducen fenómenos sociales y ecológicos en sistemas visuales que combinan datos reales con soluciones formales propias del arte. Estas prácticas se sitúan en un territorio híbrido, donde el rigor informativo convive con la subjetividad artística, y donde el dibujo se configura como una interfaz entre disciplinas. En este contexto presentamos el artículo de Laura Fernández Gibellini y Ricardo Horcajada González, que reflexionan sobre la ficción y el consenso en la producción de conocimiento científico mediante su representación visual. Las evidencias científicas, en su fase performativa, posibilitan modelos de construcción de la realidad que acaban constituyéndose en conocimiento científico mediante el dibujo. Por su parte, Lena Peñate Spicer nos propone una reflexión sobre el dibujo expandido, operando con herramientas en las que la objetividad del registro de datos, unida a la subjetividad en la toma de datos empíricos y al constructo social, nos proporciona una nueva vía de relectura situada y crítica de los hechos analizados. Desde otro punto de vista, Nuria Sánchez-León, Olga Mayoral García Berlanga y Matilde Portales Raga reivindican el dibujo como fuente de recogida de datos frente a la narración escrita, afirmando que es una herramienta interdisciplinar más eficaz para la traducción y representación detallada de las observaciones científicas, y evidenciando un alto potencial metodológico para promover un aprendizaje científico significativo en el estudiantado. Finalmente, este apartado recoge el artículo de Adrián Vilar Martín y Daniela Concepción Castanedo, que profundiza en la redefinición de la libertad metodológica en la investigación artística. Para ello, justifican el sentido de trazar analogías entre arte y ciencia mediante la metáfora biológica de la tanatocresis, cobijando nuestro cuerpo blando, el dibujo, dentro de un exoesqueleto prestado; en este caso, la física cuántica.

En los artículos reunidos en el tercer bloque, la visualización de datos se revela como un terreno fértil donde el cruce entre lenguajes gráficos, tecnologías algorítmicas y ámbitos de conocimiento multiplica su potencial como herramienta para el análisis y la aproximación crítica. En su artículo, Chema Bullón de Diego aborda la reconfiguración del dibujo en la cultura actual de los datos. Mediante el lenguaje diagramático, se establecería un puente entre trazo y algoritmo, que materializaría una continuidad estructural entre pasado y futuro de los regímenes cognitivos de la mirada. En línea con ese enfoque, Rita Cisnal Herrero plantea la transformación del diseñador en arquitecto de sistemas dinámicos, analizando cómo el dibujo en el ámbito del diseño de moda ha evolucionado hacia un sistema capaz de visualizar datos corporales, gracias a la integración del algoritmo y sus tecnologías en los procesos de creación. Cerrando este bloque, José Antonio Vertedor Romero expone el dibujo como un dispositivo de traducción perceptiva y cognitiva e investiga la reconfiguración del acto de dibujar como un proceso multisensorial y somático. El autor sonifica el trazo mediante el sistema experimental «Neuro Sonic: Draw Synthesis», que integra el registro de la actividad cerebral y su sincronización con señales microacústicas del movimiento.

Los cinco artículos reunidos en el bloque cuarto comparten una cuestión transversal: pensar el dibujo y la imagen en un contexto en el que los procesos de creación se ven atravesados por datos, algoritmos, inteligencia artificial y sistemas de traducción entre lo sensible y lo computacional. Desde enfoques distintos —la instalación generativa, el dibujo en tiempo real con IA y el análisis compositivo asistido—, los textos proponen una lectura del dibujo como práctica expandida, capaz de mediar entre la percepción, la información, el gesto, la interpretación y la agencia humana. Abre esta cuestión el artículo de Elena Mir Sánchez, en el que sitúa la instalación multimedia generativa como un espacio de cruce entre arte, ciencia y tecnología. El texto trabaja la noción de trazo expandido como eje conceptual: un trazo que ya no se limita a la línea gráfica, sino que actúa como registro dinámico de datos, procesos naturales, patrones matemáticos, información científica o estados emocionales. La instalación generativa se presenta como un dispositivo capaz de revelar fenómenos casi inaccesibles a la percepción directa y de transformarlos en experiencias visuales, sonoras o interactivas. Por otra parte, Mario Casanova Ivanco, Laura Garcés Fernández y Francisco José de la Torre Oliver analizan la relación entre el gesto humano y la imagen algorítmica en entornos de creación en tiempo real. A partir del caso de Krea, el artículo estudia cómo el dibujo puede servir de entrada inicial que la IA traduce, transforma y amplía mediante procesos generativos. La clave del texto radica en diferenciar la creatividad humana, afectiva, intencional, simbólica y evolutiva de la lógica probabilística de la IA. La máquina amplía el campo de posibilidades visuales; la persona conserva la dirección conceptual, el juicio crítico y la responsabilidad simbólica durante el proceso. A continuación, Joseba Koldobika Cejudo Estévez lleva esta reflexión al ámbito pedagógico y metodológico. El artículo parte de un taller con 74 estudiantes de Artes Visuales en el que se utiliza Claude para analizar composiciones propias. El proceso desplaza la mirada analógica hacia formas de traducción visual basadas en datos, tablas, mapas de calor y representaciones en SVG. Los resultados muestran una alta satisfacción general y una clara valoración de la participación humana, aunque la originalidad se presenta como una dimensión más problemática. El texto propone, además, un ‘protocolo de integración responsable’ para incorporar la IA de manera crítica en la educación artística. A continuación, Ángel Fernando Cano Esparcia y José Mayor Iborra analizan el proyecto Fisuras para explorar cómo el dibujo puede hacer visibles dimensiones emocionales difíciles de percibir directamente. En su artículo, sitúan el dibujo como una interfaz entre percepción, emoción, análisis visual y tecnología, que cruza la práctica artística, el FACS y herramientas de inteligencia artificial como OpenFace para analizar cómo ciertos gestos, tensiones faciales y atmósferas afectivas permanecen reconocibles tras la traducción gráfica. Por último, Javier Corzo Martínez, Manuel Drago Díaz Alemán y Jorge de la Torre Cantero ofrecen una cartografía rizomática para analizar el impacto de las IA generativas en el dibujo digital. El artículo plantea un mapa abierto, mutable y colaborativo, desarrollado en Miro® y organizado en tres bloques: creatividad, agencia e IA; filosofía del arte, autoría e IA; y dibujo e IA. La propuesta permite visualizar conexiones entre arte, tecnología, autoría, mercado laboral y la práctica del dibujo, ofreciendo un modelo flexible para estudiar transformaciones aún en curso. Leídos en conjunto, los cinco artículos trazan un mapa muy actual de las tensiones entre la creación, la tecnología y la agencia. El dibujo aparece como un campo de mediación entre lo visible y lo invisible, entre el cuerpo y el algoritmo, entre la intuición perceptiva y el dato estructurado. La tecnología no se presenta como un relevo de la creatividad humana, sino como un entorno de colaboración, traducción y conflicto productivo. El punto común más relevante es la defensa de una agencia humana activa: mirar, decidir, interpretar, corregir, orientar y dotar de sentido a procesos cada vez más complejos y mediados por sistemas inteligentes.

En el quinto y último bloque, los artículos abordan una cuestión en común: el papel del dibujo en la cognición. En un contexto contemporáneo en el que la mediación tecnológica interviene en todos los niveles de nuestra forma de percibir y de nuestros procesos cognitivos, resulta especialmente urgente repensar las capacidades del dibujo. Los artículos aquí recogidos sitúan al dibujo como mediador tanto entre ámbitos de conocimiento como entre la materialidad del trazo y la tecnología. Abre el asunto María Gárgoles Navas, quien analiza en su artículo cómo se transforman y se amplían las funciones cognitivas del dibujo en la contemporaneidad, manteniendo así su estatus articulador entre arte, ciencia y tecnología. Para ello, aborda las funciones de tres manifestaciones o modos cognitivos: el propio dibujo, las imágenes científicas y la visualización de datos. Seguidamente, Ignacio Tejedor López presenta el dibujo como una práctica de investigación para visibilizar cualidades latentes de los objetos, desplegando una estrategia experimental que provoca rastros gráficos, que a su vez revelan el dibujo como una estrategia de pensamiento productor de sentido. Por su parte, Nerea Cordeiro Cerviño utiliza en su propia práctica artística una noción de dibujo expandido, mediante la cual vincula cuestiones relativas al pensamiento material, al papel del cuerpo como interfaz activa, al tejido como modelo estructural de pensamiento y a la tela de araña como metáfora privilegiada de los sistemas interconectados. Cierra esta aproximación a las transformaciones del dibujo el artículo de Absalón Rincón Muñoz, César Augusto Mateus Medina, Paola Angélica Castro Salazar y María Angélica Martínez Wandurraga, que propone comprender el dibujo como una operación de mediación entre la experiencia situada, la síntesis gráfica y la formalización digital. Mediante el análisis del diseño de personajes en animación digital, muestran cómo gesto manual y entorno digital se influyen mutuamente, poniendo en evidencia las operaciones cognitivas mediadas por el dibujo.

Para concluir, los artículos reunidos en este monográfico permiten comprender el dibujo contemporáneo como un campo de investigación en plena expansión, atravesado por la ciencia, la tecnología, los datos, la inteligencia artificial, la educación artística y los procesos cognitivos. A lo largo de los cinco bloques, el dibujo aparece como una práctica capaz de observar, registrar, traducir, interpretar y producir conocimiento desde lenguajes diversos, manteniendo al mismo tiempo una estrecha relación con el gesto, la percepción, el cuerpo y la experiencia situada. Las aportaciones aquí recogidas evidencian que el dibujo ocupa hoy un lugar estratégico en los debates sobre la imagen, la visualización, la mediación tecnológica y la agencia creativa. Su capacidad para conectar lo sensible y lo conceptual, lo material y lo digital, lo intuitivo y lo analítico, lo convierte en una herramienta especialmente fértil para pensar las transformaciones de la cultura visual contemporánea. En este escenario, el dibujo se afirma como una práctica abierta, crítica y transversal, capaz de dialogar con otros saberes y de activar nuevas formas de comprensión en un tiempo marcado por la complejidad, la hibridación y la creciente presencia de sistemas inteligentes.

Nerea Legarreta Altzibar ¹

Lourdes de La Villa Liso ²

Cristina Miranda de Almeida ³

(1) EHU. Dpto. Dibujo

(2) EHU. Dpto. Dibujo. Grupo de investigación Intra_natura: Artistic intra-actiones artísticas

(3) EHU. Dpto. Dibujo. Grupo de investigación Intra_natura: Artistic intra-actiones artísticas